Análisis Pictográfico

Paleolítico

Análisis sensorial: a primera impresión esta obra nos refleja la poca habilidad que tenía el ser humano en los comienzos de lo que es el arte debido a su simplicidad, su falta de perfección  y muy poca expresividad.

Contexto sociológico: Esta obra fue realizada cuando aun los seres humanos no estaban tan desarrollados como lo somos ahora, más bien se podría decir que estaban viviendo un proceso de conocimiento, en donde comenzaron a descubrir todo a su alrededor, y fue así que también comenzaron a descubrir lo que es la pintura, y representaban lo que veían,  en este caso los animales. En este período se observó dos etapas denominadas la Inferior: en donde se ve a los homosapiens y los neandertales conviviendo hace unos 180.00 años atrás. Y el Superior: se dio hace 40.000 años donde se desarrolla el ser humano a el homo sapiens sapiens, y son ellos los que dan el inicio al arte.

Análisis simbólico: Como en esta época carecían de muchos conocimientos actuales, ellos trataban de representar a lo que habitaba a su alrededor y más o menos las cosas que ellos hacían, en este caso ellos trataban de representar lo que ellos cazaban, este arte se lo denomina Arte rupestre, y en especial la representación de los animales de caza era denominada la Magia Homeopática.

Análisis iconográfico: El bisonte puede representar el temor que le tenían en aquellos tiempos, ya que con su gran tamaño, representaba grandeza, poder y majestuosidad; por lo que era normal que tuvieran miedo a estos animales y los trataran de matar para poder beneficiarse de alguna manera de ellos.

Significado ideológico: Representación del miedo a los animales, ya que en esos años, los seres humanos aun no tenían mucha práctica cazando animales, y  a pesar de que los cazaban, no dejaban de tenerles miedo.

Análisis formal: Como había mencionado con anterioridad que los hombres en esta época no tenían conocimiento del manejo de materiales, ni de técnicas de dibujo; podemos observar que el dibujo no posee una proporción exacta.

Mesolítico

 Análisis sensorial: en esta pintura podemos observar que aunque pasaron varios años, los seres humanos no mejoraron la calidad de su dibujo, más bien se tornó un poco más geométrico y abstracto, lo cual significa que se alejaron en cierto grado de tener una representación real de lo que querían demostrar, como lo es en este caso un hombre cazando a un jabalí.

Contexto sociológico: El Mesolítico es un período situado entre el Paleolítico y el Neolítico. Abarca todas las manifestaciones culturales que se desarrollaron desde finales del Paleolítico Superior hasta el Neolítico. Su nombre significa Edad Media de la Piedra, duró 10.000 años y era conocido como la Edad Moderna de la Piedra. Es una época marcada por los profundos cambios climáticos que se producen a partir del 10000 a. C., que suponen una mejora de la temperatura, entre templada y cálida, y un mayor grado de humedad. Esto determina que las condiciones de vida mejoren y que el hombre tienda a abandonar poco a poco las cuevas para vivir al aire libre o junto a abrigos rocosos. La caza sigue siendo importante en su alimentación, pero con el crecimiento de las zonas boscosas se producirá un incremento de los productos vegetales.

Análisis simbólico: Esta obra representa los hábitos que tenían los hombres de esta época, que era la caza de animales y también podemos observar que ya tenían la utilización de armas como lo es la flecha, lo cual nos lleva a pensar que ellos ya estaban haciendo varios descubrimientos y varios avances en su forma de vida.

Análisis iconográfico: Al dibujar una escena de un hombre persiguiendo a un jabalí, de cierta forma se está hablando de la muerte.

Significado ideológico: esta obra claramente nos demuestra como antes se debía sobrevivir matando animales, y cazándolos para así poder obtener alguna ventaja de ellos como es comida, vestimenta y muchas veces de la sangre y grasa de animales hacían pinturas, con las cuales pintaban las paredes de las cuevas.

Análisis formal: La pintura claramente no tiene una estructura bien definida, tienen el uso de un solo color, y no posee mucha luz.

Neolítico

Análisis sensorial: La imagen nos muestra que en este periodo para ellos era muy importante los animales que están representados en la pintura, que aunque no se los ve claramente lo que son, podemos deducir que eran animales usados por ellos para comida y que ellos los mataban, ya que parece que todos los animales se encuentran alterados y encima de ellos está dibujada la mano humana, que puede representar el poder que tenían los seres humanos sobre ellos.

Contexto sociológico: esta obra fue realizada en un período de transición que duro 10.000 años, en donde ya la civilización conocía el fuego por fricción, cazaban y domesticaban animales, tenían una religión politeísta. Se denomina la edad de bronce y la edad de hierro, ya q se comienzan a hacer descubrimientos acerca de la fundición de metales. Los hombres también tienen conocimientos de agricultura y dejan de ser nómadas. Se produce la esclavitud mediante la producción de lanzas, ya que ya se tenía conocimiento de la fundición de metales para hacerlas.

Análisis simbólico: el argumento principal de la obra es la caza de animales, ya que se puede ver claramente que se está representando a unos animales y cerca de ellos unas manos, en esa época, esto tenía un gran significado, porque se creía que para matar a un animal se debía primero matar o tomar el alma de aquel animal mediante la representación de éste en las paredes de las cuevas y encima poniéndoles puntos, flechas o manos, esto es conocido como el Magia Homeopática.

Análisis iconográfico: con lo anteriormente mencionado se puede dar una idea de lo que se trata de representar en la obra es la muerte, ya que sea cual sea el animal que estuviese dibujado,  con estos símbolos de puntos, flechas y manos, se quería decir que se le iba a quitar la vida.

Análisis formal: nuevamente nos encontramos con un dibujo sin técnica, sin mucho manejo de color, más que el amarillo, rojo y negro, además los dibujos no poseen una gran claridad y mucho menos proporcionalidad. Las formas que nosotros tomamos como que fueran animales no tienen una forma bien estructurada ni esquemática, ya que parece más bien algo abstracto.

Egipto

Análisis sensorial: la música era muy importante en la vida de los egipcios, y esta obra es una muestra de que también lo eran las bellas mujeres, ya que podemos observar aquí a tres mujeres tocando diferentes instrumentos, lo muy probable es que aquella música que tocaban era en honor a alguno de sus dioses, ya que ellos eran muy alabados por el pueblo. En esta pintura podemos observar la aplicación de las leyes de la plástica esclavista como por ejemplo tenemos: la ley de la frontalidad; que es cuando en la pintura se puede observare a la figura humana con el torso de frente, extremidades de lado, la cabeza de lado y los ojos frontales, la ley del hieratismo; que es cuando la figura humana en la obra no posee movimiento, la ley de convencionalismo cromático; que es cuando no hay una utilización de degrade, y se utiliza únicamente colores planos.

Contexto sociológico: La obra fue realizada en Egipto, una civilización que nace hace 3.500 años y sus artes neolíticas hace 6.000 a.c. Egipto está ubicado al Norte de África y limita con el Mar Mediterráneo, está en el delta del Nilo. Uno de los elementos más importantes para los egipcios era el agua, y lo consideraban como una deidad. Esta obra fue realizada en la tumba de Nakht , la obra relata claramente que el arpa, la lira, la trompeta y el timbal eran conocidos en las orillas del Nilo. Himnos brillantes celebraban a Hathor, diosa del amor y de la música, así como a otras divinidades, ya que ellos eran politeístas. Una música profana presidía en los banquetes, vendimias, cosechas y fiestas campestres. Además, la polifonía a dos o a tres voces existía ya entonces en la música que producían con los instrumentos que anteriormente nombramos.

Análisis simbólico: el argumento de la obra se basa en la demostración de las costumbres que ellos tenía, como era el hacer alabanzas o canticos a sus dioses, a los cuales ellos veneraban y tenían mucho respeto, ya que en mucho de los casos les tenían mucho miedo, y para tenerlos contento hacían este tipo de regalos, como son las canciones.

Análisis iconográfico: en esta pintura el autor quiso resaltar la belleza de las mujeres egipcias y lo importante que era para ellos la religión. Además, de mezclar la belleza femenina esta mezclando la belleza del arte, en este caso la música, complementándolas de una forma en donde mujeres hermosas tocan canciones para sus dioses.

Mesopotamia

El estandarte de Ur

Análisis sensorial: al mirar esta obra se puede generar la sensación de que se está dentro de una guerra, ya que las imágenes que nos muestran son de soldados en batalla, algunos están heridos y otros están preparados para ir a pelear. Nos demuestra y relata cómo fue un poco la vida de los mesopotámicos, ya que como sabemos por historia para su protección debían pelear contra otras civilizaciones, como lo hicieron con los persas, pero no pusieron vencer, y terminaron dominados por ellos y así fue el fin de esta civilización de carácter esclavista.

Contexto sociológico: se realizo la obra en un contexto político, ya que se puede verificar y observar que se está en un momento de guerra, y en estas épocas eran muy comunes las guerras por diferentes tendencias políticas o a veces por terrenos, lo que les llevaba a confrontaciones, que muchas de las veces dejaban muchos muertos y la destrucción de los pueblos.

Análisis simbólico y significado ideológico: Los dos paneles principales del estandarte de Ur se denominan convencionalmente "Cara de la Guerra" y "Cara de la Paz". Cada uno de ellos se divide verticalmente en tres niveles o frisos, que deben ser leídos a la manera sumeria, de abajo a arriba y de derecha a izquierda.

• "Cara de la Guerra": Aparentemente el tema es una victoria militar. Se representan carros de guerra de cuatro ruedas tirados por recuas de asnos u onagros arrollando a los enemigos (aunque estos carros grandes eran poco manejables en combate: se usaban más bien para la defensa o el transporte), soldados ataviados con armaduras, prisioneros, lanzas y hachas. Hay un desfile de infantes presentándose al rey, sentado en la parte media de la banda superior.

• "Cara de la Paz": Representa un desfile de animales y vituallas (tributos) como para un banquete, presentados ante un rey que bebe mientras conversa; figuras sentadas celebran el ágape mientras un músico entretiene a los comensales.

Todos los personajes están representados parcialmente de perfil (rostro y piernas) y parcialmente de frente (hombros y ojos), en tanto que los animales están colocados casi completamente de perfil (a excepción de los cuernos en los bovinos). Su lugar en la sociedad se evidencia mediante el tamaño, la ropa y la posición (todo más cuanto más poderosos).

Análisis iconográfico: se representa a la guerra por conflicto social y la representación del poder, que en aquellos tiempos y hasta el momento, es por lo que muchas personas buscan conflictos, y es lo único que les interesa, el tener el poder sobre otros y poder dominarlos.

Análisis formal: Es una caja particular de madera de forma trapezoidal, cuyos paneles frontal y trasero, rectangulares, miden 21,59 cm de alto por 49,53 cm de largo; la sección tiene la forma de una pirámide truncada. En cada uno de los paneles había un mosaico formado por incrustaciones de conchas, cornalina y lapislázuli sujetas a una base de madera con betún.

Cuando fue hallada, los paneles laterales habían sido destruidos por la acción del tiempo, y los frontales habían sido aplastados por el peso de la tierra bajo la que fue hallado; el mosaico se había desprendido de la madera descompuesta y el betún se había desintegrado. Lo que ha llegado hasta nosotros es una reconstrucción que se cree aproximada. La técnica que usaron fue el de incrustar piedras y otros materiales distribuidos en bandas sucesivas en muebles, instrumentos y otros objetos, incluso edificios.

Grecia

Edipo interrogado por la Esfinge

Análisis sensorial: la obra “Edipo interrogado por la Esfinge” es una pintura que a  simple vista puede causar la sensación de ver a un seños, aparentemente de avanzada edad, que está conversando con ella, y por la posición en la que está el hombre parece que está disfrutando mucho de la conversación, ya que aparenta estar muy cómodo y relajado. Por la forma de la pintura y el uso de los colores podemos concretar que fue hecha en el período Arcaico, una de las clasificaciones de la pintura en Grecia que se caracterizaba por el uso del color negro.

Contexto sociológico: la obra está basada en un contexto religioso, ya que como la obra está basada en una mitología, nos cuenta mucho acerca del pensamiento griego además de las creencias que ellos tenían.

Análisis simbólico y significado ideológico: la obra está basada en un mito, en donde se decía que la esfinge era el ser más sabio que habitaba en el mundo, y las personas solían concurrir a ella, una vez que las personas estaban con ella, la esfinge les decía cierto acertijo, si lo respondían bien, la esfinge moría, sino la persona que no pudo responder correctamente al acertijo tenía el cruel castigo de la muerte. Pero esta obra nos muestra a la única persona que pudo resolver al acertijo y que hizo que la esfinge muriera, ya que pudo responder sabiamente al acertijo.

Análisis iconográfico: con el tema de lo del mito, representa a la sabiduría, que es el símbolo de conocimiento y para mí el de vida, ya que es de suma importancia el conocer y seguir aprendiendo de los demás y sobre todo de la vida misma.

Roma

                       “Las 3 Gracias”

Análisis sensorial: La pintura “Las Ballestas” es una obra que demuestra toda la belleza de la mujer, al mostrar su cuerpo tal cual Dios la trajo al mundo, irradia toda la delicadeza de la mujer y la forma en la que el pintor, Rubens, las pinta con todo ese escenario, que hace resaltar aun más la belleza de las 3 hijas de Zeus. También es una gran muestra de la tendencia de la pintura de Roma, ya que se caracterizaba por ser una especie de copia de lo helénico de Grecia.

Contexto sociológico y análisis simbólico: la obra está inmersa en un contexto cultural, porque nos demuestra la belleza, la delicadeza y la hermosura femenina, que está representada en estas 3 jóvenes, la idea principal de Rubens era poder plasmar en una pintura e verdadero significado de la belleza, delicadeza, inteligencia, el poder creativo, entre otros.

Análisis iconográfico: Es muy claro lo que Rubens trató de plasmar, la obra casi habla por sí misma, es sin duda la belleza de las 3 hijas de Zeus y de todas las cualidades que cada una poseía, pues además de todo eso, también expresa lo que es la libertad, ya que al dibujarlas sin ropa, tal cual Dios las trajo al mundo, es símbolo de libertad y de la verdadera hermosura.

Significado ideológico: La obra es la representación de las 3 hijas de Zeus. Las Tres Gracias eran el símbolo del don de los buenos modales, del buen humor y de todo cuanto fuera amable. Eran hijasde Zeus y de la oceanide Eurínome. Aglaya , la más joven y bella de las tres simboliza la inteligencia, el poder creativo y la intuición del intelecto. Eufrósine , simboliza el placer y la alegría Talía , musa de la comedia y de la poesía bucólica , representada con una máscara y una corona de hiedra.  Las Gracias presidían los banquetes, las danzas y todas las actividades y celebraciones placenteras, en definitiva, todo aquello que en el mundo pudiera haber de agradable, placentero, interesante, atractivo... Las Gracias otorgaban a dioses y mortales la alegría pero no sólo eso sino también la elocuencia, la liberalidad y la sabiduría. Se creían que tenían la capacidad de dotar a los hombres de la genialidad necesaria para ser un excepcional artista. Las Gracias eran compañía habitual en el Olimpo de Afrodita y Eros y están muy relacionadas con las Musas con las que se divertían al son de la música que Apolo tocaba. Las Cárites (o Gracias) eran jóvenes y muy bellas pero sobre todo modestas y solían llevar el pelo mal recogido a causa de los bailes. Siempre estaban danzando y precisamente es en la actitud de darse las manos y comenzar a bailar como más las ha representado el arte. Al principio de la civilización griega iban vestidas con una fina túnica después, siempre aparecieron desnudas. A veces han aparecido entre los sátiros más horrendos para designar que no se puede juzgar a las personas por su apariencia y que los defectos del rostro pueden ser corregidos con un buen espíritu. Rara vez se hace referencia a estas diosas de manera individual. Por el contrario, son la representación griega de la triple diosa, presente en muchas otras mitologías del mundo.

Análisis formal: es considerada a la obra como una obra de taller. Muchas de las personas están aun en la duda de la fecha exacta cuando fue realizada esta obra situándola dentro de un margen que oscila entre 1625 a 1639. Sin embargo, la magnificencia de las figuras, el dinamismo y la riqueza cromática han hecho de esta pintura una magnífica composición. Como pintura de la colección real, Las tres Gracias, un óleo sobre lienzo de 221 x 181 cm, pasó al Museo del Prado de Madrid, cuando éste se abrió como institución pública en el siglo XIX.

Análisis biográfico: Las Tres Gracias es la obra más famosa de Rubens. Fue adquirida por Felipe IV entre los bienes del pintor, subastados tras su fallecimiento -el 30 de mayo de 1640- pasando a decorar alguna de las salas del Alcázar de Madrid. El hecho de estar pintado sobre tabla indica la relación del maestro con la pintura flamenca antigua.

Paleocristianismo

Análisis sensorial: nos demuestra que en este período comenzó una época de total monoteísmo, en donde se realizó un arte iconográfico, que es el que está constituido de íconos que simbolizan la ideología cristiana.

Contexto sociológico y análisis simbólico: esta obra fue realizada en la edad media, en donde se da una época de quebramiento de la historia y la cultura, porque la época en la que se vivía antes se tenía una vida pagana y una religión politeísta, por lo que con la venida del paleocristianismo, se comenzó a prohibir toda representación pagana que esté demostrando la vida llena de fiestas, bebidas y música que ellos tenían. En dichas iconografías podemos encontrar: peces que eran la representación de la palabra del señor y de la cristiandad, la paloma que es la representación de la paz, los símbolos alfa y omega que significaban el principio y el fin de las cosas, la crus que es en donde murió Cristo y cuando Cristo sale con ovejas significa que él es el pastor de ellas y que es el guía. Por lo tanto esta obra está inmersa en un contexto religioso e histórico porque nos demuestra el proceso que estaba pasando en esas épocas la humanidad, es decir la transición que tuvieron de tener una religión politeísta y una vida pagana, a una monoteísta y muchas veces una vida privada del goce de la misma.

Análisis iconográfico: es la representación de una etapa de transición y de mucho cambio espiritual que se vivió cuando Roma estaba comenzando a tener problemas y poco antes de su caída.

Significado ideológico: Más que nada la obra nos muestra lo que significaba en ese entonces la religión para la sociedad, ya que se cambió totalmente a una nueva religión, en la que se prohibieron muchas cosas.

Imperio Bizantino

Análisis sensorial: Podemos observar que ya se comenzó a notar más lo que es el arte de tendencia cristiana, es decir, de la creencia de Dios y Cristo. Podemos ver claramente que es como un Jesús que nos está dando la bienvenida a un lugar, este lugar era la iglesia. Estas imágenes de Cristo dando la bienvenida a la casa de Dios se los conocía como pantócratos.

Contexto sociológico y análisis simbólico: la obra se realizó en una época en donde tenían una economía agraria, y donde la intelectualidad sólo estaba regida por la cristiandad, y el pueblo no tenía acceso a la educación. El arte que se desarrolló en esta época es conocido como: Arte Preciosista.

Análisis iconográfico: La representación del amor de Dios y su acogimiento en su casa, ya que los pantócratos están expresando que cualquier persona puede entrar en la casa de Dios y que todos son bienvenidos, por lo tanto nos habla sobre el amo de Dios hacia todos los seres humanos que estamos en la tierra.

Significado ideológico: tiene un significado religioso, porque la imagen que está en la pintura es la de Cristo dándonos la bienvenida a la casa de su padre y muchas de las veces los pantócratos tienen una biblia en su mano, que muchos de los casos está abierta y simboliza la palabra de Dios; y una cruz en la parte de atrás y nos refleja que la cristiandad era lo que estaba predominando en aquella época en todo sentido.

Período Carolingio

Libro de Saint Chad (Evangelios de Lichfield)

Análisis sensorial: cuando observamos estas obras denominadas miniaturas, lo que llama más la atención son todos aquellos pequeños detalles que los pintores ponían en estos dibujos, como representaban la letra capital de las páginas de los libros era muy frecuentemente en esta época verlas en los libros miniados y era sorprendentemente como empleaban tantos detalles dentro de esas pequeñas letras.

Contexto sociológico y análisis simbólico: esta pintura se la denomina Miniatura, que se desarrolló en este período entre los siglos Vlll y X, eran característicos solo en los libros y cada una de las letras era hecha a mano y eran únicas, se las utilizaba únicamente para representar las letras capitales, y era un toque especial para cada libro, en especial eran libros miniados.

Análisis formal: Estilísticamente son imágenes planas, muy esquemáticas con convenciones narrativas que se repiten, pero muy imaginativas y, en ocasiones, con delicados detalles. Destacan, en especial, las letras capitulares historiadas, de gran expresividad. A través de estas imágenes se refuerza el mensaje de la existencia de dos poderes, el terrenal, propio del emperador, y el espiritual, reservado al Pontífice.
Análisis biográfico: Libro de Saint Chad (Evangelios de Lichfield): El Libro de Saint Chad o Evangelios de Lichfield aparece comprado a finales del siglo VIII, cien años después de su realización. A pesar de estar incompleto, podemos ver en él una importante variedad de estilos y calidades de dibujo y diseño, desde la simplicidad de las figuras de los Apóstoles hasta la sofisticación de las páginas ornamentales con pájaros y animales acercándose a lo geométrico.

Arte gótico

El triunfo de la muerte

Análisis sensorial: la obra “El triunfo de la muerte” a simple vista da la sensación de desolación, aunque aun se observa mucha gente parece todo ya no tener sentido y no se siente como si hubiera vida, da la sensación de que ya nada tiene solución y que la mejor salida a cualquier problema es la muerte.

Contexto sociológico y análisis simbólico: Un estilo de pintura que pueda llamarse «gótico» no apareció hasta alrededor de 1200, o casi 50 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, pero podemos ver los comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo. Esta transición ocurre primero en Inglaterra y Francia alrededor de 1200, en Alemania en torno a 1220 e Italia alrededor de 1300.

Es usual indicar que, mientras en el románico las representaciones figurativas son simplificadas e idealizadas, en el gótico se tiende a aumentar el realismo y naturalismo, aproximándose a la imitación a la naturaleza que será el ideal del renacimiento, la representación de paisajes, que, no obstante, sigue siendo poco usual. En el gótico, en correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas (recuperación de la filosofía de Aristóteles a través del averroísmo, humanismo de San Francisco de Asís) se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos (los santos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico.

También hay lentos avances en el uso de la perspectiva y de otras cuestiones técnicas en pintura en cuanto al tratamiento de los soportes (que permiten la mayor difusión de un arte mobiliar), los pigmentos y los aglutinantes.

La pintura, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas principales:

• Frescos. La pintura mural o frescos siguieron usándose como el principal medio para la narración pictórica en las paredes de las iglesias en el Sur de Europa, como una continuación de las tradiciones cristiana y románica anteriores.
• Vidrieras. En el norte de Europa, las vidrieras fueron el arte preferido hasta el siglo XV.
• Pintura sobre tabla. Comenzaron en Italia en el siglo XIII y se extendieron por toda Europa, de manera que para el siglo XV se había convertido en la forma predominante, suplantando incluso a las vidrieras.
• Miniaturas. Los manuscritos iluminados representaron la más completa documentación de la pintura gótica, documentando la existencia de una serie de estilos en lugares donde no han sobrevivido otras obras monumentales.

La pintura al óleo sobre lienzo no se hizo popular hasta los siglos XV y XVI y fue el punto de partida del arte renacentista.

Análisis iconográfico: Sin duda representa a la muerte y a la fragilidad de las personas. En la obra se demuestra a un mundo totalmente acabado en donde el hombre se ha dejado dominar por la muerte y la esperanza se ha terminado.

Significado ideológico: Es una panorámica de la muerte: vemos el cielo oscurecido por el humo de las ciudades ardiendo, al fondo un mar plagado de naufragios; a la orilla hay una casa, alrededor de la cual se agrupa un ejército de muertos. El paisaje, anodino y arrasado, nos habla de la pequeñez, crueldad y falta de sentido común del hombre, que pretende cambiar un destino impuesto. Se alzan mástiles coronados por ruedas, picotas en las que se ajustician a criminales; sus cadáveres se balancean. Hay una cruz, solitaria e impotente en el centro de la pintura, y la Muerte avanza con batallones de esqueletos; sus escudos son tapas de ataúdes y conducen a la gente a un ataúd que es un túnel decorado con cruces; un esqueleto a caballo destruye personas con su guadaña. Por todas partes son atacados los desamparados hombres; aterrorizados huyen o intentan en vano luchar. No hay defensa posible, los esqueletos matan de muy variadas maneras: cortando gargantas, colgándolos, ahogándolos, e incluso cazándolos con perros esqueléticos. A la izquierda se conduce una tétrica carreta con calaveras, que sin duda formarán después el ejército de los muertos. Detrás un tribunal de la muerte presidido por el símbolo de la cruz contempla impasible la hecatombe. Sobre ellos, unos esqueletos tocan una campana avisando del fin del mundo. Al frente, en el extremo inferior izquierdo, yace el rey, vestido de su capa con vueltas de armiño y con el cetro en la mano. Campesinos, soldados y hasta nobles e incluso reyes, todos atrapados por la muerte. Un poco más hacia el centro del primer plano, un perro olisquea la cara de un niño, muerto en brazos de su madre, también caída. Algunos cadáveres han sido ya amortajados y uno de ellos yace en un ataúd con ruedas. La visión de Brueghel no carece de humor sardónico, como puede verse en la parte inferior derecha del cuadro. Una pareja de enamorados permanecen absortos ignorando lo que les rodea. Detrás de la mujer un esqueleto imita al tocador de laúd. A su lado una mesa puesta con manjares, y un juglar con jubón ajedrezado, se intenta esconder debajo. Un caballero hace ademán de desenvainar la espada, intentando defenderse de lo irremediable. Como es natural en un cuadro pesimista los colores son sombríos. Se observan aspectos de la vida cotidiana a mediados del siglo XVI, se dibujan con detalle las ropas, y pasatiempos como juegos de cartas. De manera única, un método usual de ejecución para los criminales del siglo XVI: La rueda. Objetos como instrumentos musicales y los primeros relojes mecánicos, y escenas como una misa de difuntos ayudan a entender mejor el estilo de vida de los años 1560.

Se ha sugerido que el cuadro, como una premonición, fue inspirado por el empeoramiento del clima político antes de la Guerra de los ochenta años. Inspirada o no por el ambiente la obra es una clara alegoría de los horrores de la guerra, como su Dulle Griet, también premonitoria. Es inevitable también pensar en la peste negra que azotó a Europa en el siglo XIV. Algunos ven la crisis de los feudos, ya que en el cuadro se observa a la muerte que amenaza a un hombre con corona, que podría ser un rey o representante del poder. Cercano a dicho hombre de corona la muerte merodea un barril lleno de algo de color dorado u oro.
La tabla recuerda al Bosco, por lo satírico y moralizante y la amplitud del cuadro; múltiples escenas, pintadas con mucho detalle. Recuerda el tema medieval de las danzas de la muerte. Las hordas de Brueghel son esqueletos no demonios como en el El Jardín de las Delicias de cien años antes. Esto puede sugerir en algunos un pesimismo ateo no suavizado por una creencia en un Cielo.

Análisis formal: El triunfo de la muerte es una de las obras más conocidas del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo. Un óleo sobre tabla de 117 cm de alto x 162 cm de ancho, pintado hacia el año 1562. Escuela flamenca del siglo XVI, hoy en el Museo del Prado de Madrid.

Análisis biográfico: El triunfo de la muerte es una obra de Pieter Brueghel el Viejo, (Breda o Bree, c. 1525 - Bruselas, 9 de septiembre de 1569) fue un pintor y grabador brabanzón. Fundador de una verdadera dinastía de pintores, es considerado uno de los grandes maestros del siglo XVI.